Páginas

sexta-feira, 19 de agosto de 2016

Reply all



“Reply all” comes from a daily experience – being part of the Manchester School of Art for the last three months as a PhD student. More focused in the All Saints Library and in the process of finishing my own thesis, I still got very curious to understand how the university structured the graduation and master degree art courses. The curiosity and inevitable comparison with the relation between art and education in Brazil led me to the seed of this exhibition: why not work together with artists that are students from the MSA?

Me and Nuria (assistant curator of this project) spread an open call in different media and received portfolios from different artists. Besides that, the degree show that happened in June helped to open my mind and have contact with students that were finishing their courses. After meeting more than thirty students and engaging in conversations about art, life and the future, it was pretty clear that the diversity of their works and the otherness that were the common ground of our dialogue (me as a “foreigner” and them as the “local ones”) couldn’t lead to an exhibition where we would simply select artworks and organize in a specific space.

I decided then to try something more experimental – what if the students (or now former students) from the university engaged in a virtual conversation (an artistic blind date) with artists from different places in Brazil and tried to create something together to show in an exhibition? My initial feeling of being an outsider of this academic and artistic community would be shared not only by the artists from here but also by my Brazilian fellows. Duos were suggested having in mind the languages and subjects of each artist and the whole month of July was a month to learn how to construct something together with many moments of recognition and difference using the internet and all the possible social media for texts, real time conversations and images.




Little by little the obstacles appeared – the internet connection lots of times was terrible and, as you can imagine, the different media of each duo suggested different ways of collaborating. Besides that, only in the middle of the process I noticed that the biggest part of the invited students (the ones seen in the degree show) were in a very important rite of passage: the end of the university and the time to take some important decisions in life. It was very interesting (and at the same time nostalgic) to have conversations about how it felt to leave our parents’ house, to starting living with our partners and/or to deal with summer jobs.

Suddenly I noticed that we were all in the same ship: if the MSA students were full of doubts about the future and the political situation of the UK, I was in the same situation regarding my life after the PHD and the invited Brazilian artists (generally older) also seemed unquiet about their lives and the political future of Brazil. As one of the artists told me when we meet, we were all in the same journey without knowing where we would arrive – and that’s life.






This exhibition comes from this exchange of affections – people don’t know each other in person (and perhaps will never know) but for sure they already feel something for the other. The initial strangeness was able to construct a respectful process of how to learn together about very different topics – from GIF art to the national History of the Wales, from afro-Brazilian religions to the Venus of Milo, from the symbolic use of cardboard, clay and salt to discussions about photobooks, telescopes and video cameras. The temporary results of these dialogues are here in the Grosvenor Gallery; all untitled (like the best things in life) they remember us that more than answering to demands of the art system, perhaps our first interest in this area came from our need to say something and be listened by someone.

As the title of this project says, in the last six weeks we tried our best to “reply all” – virtually, personally and mostly by images. We always knew that the act of replying and the totality of the word “all” were fictions – just like every exhibition is a temporary fiction and this ship, that one that I said that we were all in, is about to be dismantled in tiny boats, each one in a different direction. Some boats will keep rowing side by side while other boats will disappear in the landscape. That’s what happens during and after the university and that’s what life is about: arrivals and departures.





Having in mind that I am the one to depart (back to Brazil), I can only hope that these collaborations will leave a good memory for all of the participants – and that the act of replying will be seen as a powerful tool to create together even when we have an ocean of distance.

(texto curatorial feito para a exposição "Reply all", realizada na Grosvenor Gallery, em Manchester, entre 4 e 19 de agosto. Curadora assistente: Nuria López de la Oliva)
[os detalhes das obras foram fotografados por Carlos Baselga]

quarta-feira, 17 de agosto de 2016

A beginner’s guide to Brazilian art


To only write briefly about the relationship between Brazil and contemporary art is certainly a crime. With a population estimated at more than two hundred million and an area covering more than eight million square meters (the United Kingdom could fit into it 35 times), it’s absolutely impossible to define precisely what “Brazilian culture”, “Brazilian contemporary art” and of course, “Brazilian-ness” could be.

Colonized by Portugal (and other empires including France and the Netherlands) during 1500 to 1822, the production of art (in the Western perspective) in Brazil was always in dialogue with European classical traditions. After the opening of the first School of Art in the country in 1826, discussions about what “Brazilian art” could be started and never ceased to be a topic of conversation for artists and intellectuals. Landscape painters from the 19th century, modern abstract artists and conceptual artists from the 1960’s – all of them, at some point of their careers, somehow touched upon this complicated topic.

With Rio de Janeiro as the country’s capital until 1960 and Sao Paulo being the biggest city and economic power, the art produced in Brazil was for many decades unfortunately associated with these places. For a long time, artists from different regions of the country had to travel or even live in these cities to become known because it was here where the institutions and the capitalism of art were mostly based. Thankfully, in the last fifteen years the country has seen big changes developed by the left-wing government in the areas of culture, economy and education. In addition, the massive presence of the Internet and social networks in Brazil have affected how artists, curators and institutions (public or independent) communicate and work. Nowadays, it’s interesting to see how different artists work at the same time in different places and with very contrasting research.



One of the most well known Brazilian artists outside the country, Ernesto Neto (based in Rio de Janeiro), for example, works with installations that invite participation from the public. In recent years however, the dialogue between the indigenous cultures of the North area of Brazil started to be a subject for his monumental structures. Indigenous narratives also interest other artists like Armando Queiroz (based in Belem) but from a point of view closer to the histories of violence, massacre and destruction of these cultures. The languages used by Armando range from video, performance, photography and ready-mades.
Some other researchers deal with the power that images can suggest of belonging to nowhere and anywhere; “Brazilian culture” is not the main concern. Leda Catunda (based in Sao Paulo) has long explored the use of colour in painting and sculpture, creating kitschy images that invite the public to deconstruct concepts as high and low culture. In a less colourful perspective, in the extreme South of Brazil Karin Lambrecht (based in Porto Alegre), deals with materials like blood, oil, golden leaves and texts in light bidimensional compositions and objects full of expressive gestures.
In between these two ways of making art we could also look at Paulo Bruscky (based in Recife), a world pioneer in the field of mail art that invites the public to think about the limits of using images and text with lots of humour. These points of view used to quickly analyse these already established artists are just two of the many ways to look not at “Brazilian art” but instead “art made in Brazil”. They can be seen (with many different layers) in the “Under the Same Sun” exhibition in the work of the featured artists.



What could we expect for the future from the fusion of Brazil and art? The present is full of difficult stories: the impeachment of the President Dilma Rousseff (a coup of state), the raise of violence to homosexuals, black people and indigenous people, besides all the physical and symbolic violence that the Olympic Games already brought to Rio de Janeiro. How good artists will react to these elements and by which perspective (to quote reality or to use art as a way to avoid it?) only time will tell. Certainly, we will have lots of food for thought.

(texto escrito a convite do HOME, em Manchester, devido à exposição "Behind the sun" com os artistas premiados na edição 2015-2016 do Prêmio Marcantônio Vilaça)

domingo, 7 de agosto de 2016

Fé na Atlântida


A Virgem do Alto do Moura, pesquisa artística e divindade criada por Nadam Guerra, caminha para o seu segundo aniversário oficial. Inicialmente apresentada na primeira edição da Bienal do Barro, realizada em Caruaru (Pernambuco), em 2014, a proposição ia de encontro com as histórias da cidade e da região. Na parte alta da cidade, precisamente no Alto do Moura, habitava o Mestre Vitalino, escultor de imagens feitas com barro que se popularizou entre as décadas de 1940 e 1960, falecendo em 1963. Estas obras foram expostas e alavancadas ao estatuto de “arte popular brasileira” e, desde então, viajaram o Brasil e o mundo contribuindo (para o bem e para o mal) com a associação entre o fazer artesanal e a região Nordeste – fenômeno tão bem estudado pelo historiador Durval Muniz em seu livro A invenção do Nordeste.

Enquanto isso, Nadam Guerra, coincidentemente, desde a sua infância realizava experimentos com cerâmica. Formado em Artes Cênicas, seu trabalho como artista visual se inicia pela exploração da performance e de suas associações com o vídeo. A cerâmica, porém, nunca deixou de ser experimentada; se olharmos com atenção, por exemplo, alguns de seus vídeos – penso em "Como sair do buraco" (2007) e "Duas terras" (2008) –, a relação entre o corpo e aquela mesma terra de onde é extraído o barro já era um assunto de seu interesse. Parecia coerente, portanto, que se estabelecesse um diálogo entre a sua trajetória e o encontro com Caruaru e a memória de Vitalino.



A semente dessa proposição é uma provocação: e se, em vez de olhar para a produção de escultura em barro e buscar ali as “raízes do Brasil”, o público fosse convidado a uma odisseia multicultural com elementos de diferentes partes do mundo? Eis que nasce a Virgem do Alto do Moura. Baseada em uma escultura de Vitalino em que se vê uma noiva sendo carregada em um boi com seu marido à frente, esta mulher é alavancada à protagonista da narrativa, sem a necessidade dessa figura patriarcal, mas mantendo seu animal como meio de transporte. Chamada por Virgem, em sincretismo com o cristianismo, ela viaja diversas regiões do mundo que possuem tradições milenares no campo da cerâmica – Caruaru se torna um cometa que atravessa do México a Oceania, sem nos esquecermos da África, da Ásia e das tradições greco-romanas, rumo à Atlântida. A Virgem do Alto do Moura se desdobra entre imagem e texto. Há aqui a vontade de refletir sobre a relação entre documento e ficção, como feito por Nadam em relação ao Grupo Um e seus artistas fictícios com biografias e pesquisas destoantes. O artista convida o público a adentrar essa história que se baseia tanto na fonte textual, composta pelo próprio, quanto nas esculturas relativas às viagens da Virgem, às suas experiências sexuais com diferentes entidades espirituais e, claro, aos seus filhos.

Em 2015, os objetos que foram mostrados em Caruaru participaram de nova exposição individual em Juazeiro do Norte (Ceará), no Centro Cultural Banco do Nordeste, somados a um painel do mapa-múndi com o trajeto percorrido pela Virgem e suas relações com os doze chakras, o que contribuiu para uma melhor compreensão por parte do público. A exposição no Paço Imperial, no Rio de Janeiro, tem seu início neste último projeto e nas reflexões recentes do artista – mais do que meramente compartilhar objetos com o público e convidá-los a uma experiência de fruição, Nadam deseja expandir o ato ficcional das narrativas dos objetos para a própria organização expositiva. Toda exposição artística é pautada num desejo de estabelecer narrativas a partir da reunião de objetos (ou ações) embebidos de um estatuto – e se o objeto de arte fosse a exposição em si?



Chegamos, portanto, a esta “Redescoberta da Virgem do Alto do Moura” – nossa Virgem caminha de Caruaru para o solo natal de seu criador. Além do conjunto de 38 esculturas em barro dispostas em tradicional mobiliário museográfico como vitrines e púlpitos, uma série de vídeos é apresentado. O primeiro deles, já presente em Caruaru e em Juazeiro do Norte, apresenta uma narração acerca dos passos da Virgem a partir de seus vasos. Feita pelo crítico e pesquisador português Juca Amélio, os objetos são mostrados em um torno e sua fala lusitana se aproxima do compasso de um narrador do Discovery Channel. Em caminho semelhante, “Nas bordas da ciência” apresenta uma reportagem ficcional em que um jovem jornalista entrevista especialistas como a cosmóloga Denise Gonçalves, o historiador Paulo Knauss e a arqueóloga Ruth Mezeck a respeito das relações entre a Virgem, o passado, a pós-arqueologia e a cidade do Rio de Janeiro. 

Esse dado, inclusive, merece ser destacado: as recentes escavações ficcionais de Nadam Guerra descobriram que a Virgem tem uma ligação clara com o território do Paço Imperial. No território próximo ao edifício, foram encontrados vestígios de milenares túneis subterrâneos que conectavam o Rio de Janeiro à Atlântida. Sendo a Virgem uma entidade que parte do sertão de Pernambuco rumo à Atlântida na busca por uma nova ordem mundial pós-capitalista, esses dados não poderiam passar desapercebidos. Junto a essa descoberta, a Roseta da Gávea (uma versão tupiniquim da Pedra de Roseta), escavada logo abaixo da Pedra da Gávea durante a construção da linha Barra-Gávea do metrô (se é que um dia ficará pronta), não deixou dúvidas ao artista de que estes artefatos, ainda nunca mostrados ou debatidos, mereciam a atenção do público.

O culto à Virgem nunca foi tão disseminado como nos últimos dois anos. Esse fervor levou a uma revisão do clássico documentário Na cama com Madonna, de 1991; “Like a virgin”, na verdade, é uma grande música gospel de adoração a esta entidade além-mares, conforme comprova um dos vídeos da exposição. De Hollywood para o Rio de Janeiro, durante a exposição foi realizado um grande cortejo público de Cristália, o Cristo feminino, padroeira do Rio de Janeiro. Feita em tamanho maior e equilibrada sobre os ombros de seus devotos, Cristália foi carregada do Paço Imperial até o sítio arqueológico em que os túneis para Atlântida foram descobertos, no antigo Largo do Moura e na atual Praça XV. O Núcleo de Cultura Popular Céu na Terra acompanhou com sua banda, um grupo de pessoas vestidas de branco se concentrou em conjunto e um santinho foi distribuído com a música composta para a ocasião. De boneca de barro, Cristália foi vertida em elemento de culto fervoroso em um espaço de encontro entre a religião e a festa, entre o culto e o Carnaval. 



As narrativas e o potencial criativo de Nadam Guerra se ampliaram de modo dialógico – do ateliê de cerâmica para o espaço expositivo, da exposição para as bocas dos entrevistados e dessa oralidade para o ato de se cantar em conjunto em busca de esperança e paz. “A Virgem do Alto do Moura” se configura como um projeto que consegue reunir de modo trans-histórico elementos de diferentes tradições iconográficas e acontecimentos politicamente densos como as escavações e alterações topográficas sentidas nas ansiosas preparações para as Olimpíadas no Rio de Janeiro. A possível postura política dessa pesquisa não se dá de modo panfletário e literal, mas convida para a fruição das múltiplas abas que se sobrepõem. Passado, presente e futuro (não esqueçamos de que se trata de uma pós-arqueologia) se misturam sem medo de ser felizes; ao final da exposição, olhamos ao nosso redor e não sabemos mais o que é verdade e o que é mentira – mas não é para esse lugar de incerteza que as imagens potentes nos empurram?

Como diria uma série de pichações com cunho religioso no mesmo Centro do Rio de Janeiro, próximas à Central do Brasil, “Quem adora imagem, adora o diabo!”. O que Nadam Guerra nos mostra, em oposição ao tom imperativo dessa frase, é um elogio ao diálogo entre as diferenças, mas sem deixar de lado o amor às imagens. Deuses ancestrais ou invenções contemporâneas, “qualquer maneira de amor vale a pena”. Perante o caos do presente, só nos resta nos unir a essa multidão e termos fé no retorno futurista de Atlântida.

(texto curatorial relativo à exposição "A redescoberta da Virgem do Alto do Moura", de Nadam Guerra, realizada no Paço Imperial, no Rio de Janeiro, entre 24 de junho e 31 de julho)